Obras de Arte en Roma / Gian Lorenzo Bernini

Publicado en: Escultores, Pintores 0

Bernini es uno de los artistas más conocidos de la historia y posiblemente el más importante del barroco, sobre todo por obras escultóricas como El Rapto de Proseprina, el Baldaquino de San Pedro, o diseños arquitectónicos como la plaza de San Pedro en el Vaticano o la Iglesia de San Andrés del Quirinal.

ele3Pero hoy quiero hablaros de una de esas obras más desconocidas pero que no deja de ser una maravilla para nuestros sentidos,  L’elefantino o el obelisco de la Piazza della Minerva, este magnífico monolito que procedía posiblemente de los «campos de Marte» y que a su vez estaba en la ciudad egipcia de Sais, en un templo de Isis, fue realizado en la dinastía XXVI, por Psametico II.

Alejandro VII ordena que se realice un diseño para sustentarlo, por lo que hay una gran disputa entre el Padre Dominico Paglia(el cual quería hacer una base con cuatro perros que rodeasen al obelisco, en honor a su orden de los Dominicos, Dominó canes «Perros del Señor) y Gian Lorenzo Bernini. ele2Al final el proyecto de Bernini ganó y creó este fantástico diseño basándose en el texto del libro «El sueño de Polífilo»(1499), donde aparecía esta imagen de un elefante transportando un obelisco como símbolo de que la sabiduría que se sustenta por una gran cabeza(la del elefante).

elefante“Sapientis Aegypti/ insculptas obelisco figuras/ ab elephanto/ belluarum fortissima/ gestari quisquis hic vides/ documentum intellige/ robustae mentis esse/ solidam sapientiam sustinere” (Estos símbolos de la sabiduría de Egipto que ves grabados en el obelisco que sostiene un elefante, el más poderoso de todos los animales, son la prueba de que es necesaria una mente fuerte para sostener una sólida sabiduría)

Aunque el diseño es de Bernini, posiblemente fue el taller de este el que la esculpió, en especial Ercole Ferrara(1610-1686), uno de los mayores exponentes del barroco romano. Si vais a Roma, no os perdáis esta preciosa obra.

 

ejepahnte-dibujoVíctor Yuri de Torres Monroy

Incógnitas de la historia del arte / Pintor Giorgione

Publicado en: Artículos, Pintores 0

Si existe un pintor que podamos señalar como una de las mayores incógnitas de la historia del arte,ese es Giorgione.

vieja GiorgioneGiorgio (“Zorzi o Zorzo para sus amigos) da Castelfranco, nacido en la localidad de Castelfranco en el año 1477 o 1478, es un enigma en sí mismo. La razón de que se tengan tan pocos datos es por su breve existencia (murió en el año 1510) y hay pocos escritos sobre él, exceptuando lo que el primer historiador del arte y también artista del siglo XVI Giorgio Vasari dejó escrito sobre él en su “Vitas” y del coleccionista contemporáneo de Giorgione, Marcontonio Michiel.

Según los escasos datos biográficos que tenemos sobre él, en el 1500 ya estaba en Venecia trabajando en el taller de Giovanni Bellini, uno de los nombres más importantes de la pintura Veneciana  del Quattrocento. Posteriormente, parece que se unió como asociado al taller del pintor Vicenzo Catena. A pesar de morir muy joven, gozó de un reconocimiento en su momento, siendo un pintor que, a diferencia de la gran mayoría de artistas del renacimiento, trabajó más para pedidos privados de la alta nobleza y amigos que para el clero como era habitual. Hecho que también hace que haya menos información sobre él.Antonio Broccardo Giorgione

A pesar de que estudiar su obra es difícil, tanto a nivel cronológico como a nivel de autoría (muchas de sus obras fueron terminadas por otros autores, como Tiziano, el cual se cree que pudo estudiar junto o de Giorgione), en los últimos años su fama ha aumentado junto a estudios de su vida, esclareciéndose ciertos aspectos, influencias y datos tan significativos como que su apellido era Gasparini, información conseguida al encontrar una investigadora en el Archivo de Estado de Venecia, su certificado de muerte fechado en el 1511.

Volviendo a su obra, Giorgione tiene varias influencias claras en su obra. Giovanni Bellini y Antonelloda Messina, de quien toma cierta robustez pictórica y un gusto por el detalle y los paisajes elaborados que a su vez, provienen de la influencia de la pintura flamenca en Antonello da Messina.

Y por supuesto, del genio de Vinci, Leonardo, de quien absorbe no sólo la técnica del esfumato, sino un estilo a la hora de crear los rasgos fisiológicos, en especial manos y caras. Un claro ejemplo es la “Judith” o en el retrato del poeta “Antonnio Broccardo”, donde la influencia Leonardesca es más que evidente.

Tempestad GiorgionePero si hay algo que siempre señalamos todos los historiadores del arte como carismático o especialen la obra de Giorgione, es su genialidad a la  hora de representar los paisajes. Considerada la enigmática obra del 1505 “La tempestad”, la primera obra que es en si un paisaje, y no una representación temática. Además, por el manuscrito de Marcantonio Michiel, sabemos que él mismo denominó la obra como “Un pequeño paisaje con una tormenta, una mujer gitana y un soldado”.

Mi opinión personal como historiador del arte difiere a esto, ya que creo que hay un lenguaje semiótico mucho más profundo en esa obra, pero dicho simbolismo crea mucha controversia entre los diferentes autores. Que haya una mujer semidesnuda dando el pecho a un niño, mientras un soldado u hombre armado parece hacer guardia con una tormenta en los cielos no parece una escena “normal” para introducirlo en un paisaje. Ella parece frágil, dulce, realizando un acto lleno de amor como dar de mamar a su hijo, mientras el soldado paciente la protege de posibles males representados metafóricamente en la tormenta.Judith Giorgione

Es difícil decir si mi análisis de la obra es la acertada. Y posiblemente, de todas las descripciones que hagamos de “La tempestad”, nunca podremos saber que quiso mostrarnos Giorgione en ella.

Aunque es innegable la importancia que le da al paisaje, a la tempestad y lo que significa esto para la historia del arte posterior. En otras obras como “Paisaje al atardecer” datado entre 1506-1510, donde los personajes, aunque se les atribuye santos como San Roque, San Antonio y San Jorge, vemos que la importancia del momento de la puesta de sol es el protagonista del cuadro. Además, según algunos estudios el San Jorge que detrás clava su lanza desde un caballo a un ser entre perro y monstruo, fue añadido posteriormente por un pintor desconocido.

Paisaje atardecer GiorgioneTanto esta problemática de los paisajes de Giorgione como otros se le prodían atribuir, como su particular estilo a la hora de hacer retratos, en el que volvemos a ver la influencia de Leonardo en todas ellas, como su famoso retrato de “La vieja” o para algunos, su propia madre.

Giorgione murió en el año 1510 tras enfermar de la peste que asolaba Venecia en aquel momento, según Giorgione fue contraída por sus relaciones con una amada que había pasado dicha enfermedad. Sea por sus amoríos o por la razón que fuese, la muerte tan prematura de Giorgione hizo que perdiéramos a un artista que estaba destinado, junto a Tiziano, a ser uno de los nombres más importantes de la historia del arte.

 

 

Victor Yuri

Girolamo Savonarola / Edad de Oro Florencia

Publicado en: Pintores 0

Girolamo Savonarola, es posiblemente uno de los personajes más importantes de la historia Florentina de la segunda mitad del siglo XV. Nacido en Ferrara en el año 1452 en una familia adinerada, y aunque comenzó los estudios de medicina, los abandonó para estudiar teología.

Entrando en la orden de los dominicos en el 1475, tras formarse en su ciudad, fue enviado a Florencia posteriormente, habiendo creado ya el discurso apocalíptico de Savonarola, su “Terrifica predicatio”.oscuro

En un primer momento su estilo agresivo, duro y exaltado no triunfó en la Florencia “pagana” renacentista. Durante los años 1488-90 fue predicador itinerante en diversas ciudades italianas, y a su vuelta a Florencia, su oratoria en contra de las riquezas, poder, vanidad e iconografía pagana y pudorosa, entran de lleno en las venas de los Florentinos.

Florencia en esos momentos, centrándonos en la historia del arte, estaba gobernada por la familia Medicis. Era la “edad de oro” de la ciudad, siendo esta familia los mayores mecenas del mundo artístico Italiano. La nobleza va a Florencia a comprar arte, se siguen los cánones Griegos, donde el desnudo es usado continuamente y el lujo, poder e incluso orgías son el referente de esa clase alta. Todo ello no hacía más que aumentar el odio de Savonarola y por ende la hostilidad en sus discursos, que unido a una población de pobre y harta del despilfarro de la nobleza, hace que Savonarola vaya ganando fama.

El momento de mayor apogeo o de “triunfo” para Savonarola fue en el marco temporal de 1494-1498. Siendo Prior de san Marcos, anunciaba la llegaba de muchos males a Florencia, como la llegaba de un nuevo rey Ciro. No fue Ciro, pero si Carlos VIII de Francia entró en Florencia, que unido a los discursos cada vez más seguidos (cuentan que miles de personas se acercaban a sus discursos) y vitoreados por el pueblo, obligaron a la familia Medici a marcharse.

En aquellos años, Savonarola tomo el poder del país. Florencia se convirtió en una república teocrática en la que Jesucristo era el Rey. Y aunque fue excomulgado por el Papa Alejandro VI, siguió centrado en su visión apocalíptica del mundo y de convertir Florencia en el frente contra ese mundo llevado por el pecado, criticando a la curia Romana y a la polémica familia de Alejandro VI, los Borgía.

Pero en el año 1498 muere Carlos VIII, que era partidario de Savonarola, y justo al día siguiente, por orden de Alejandro VI, las tropas vaticanas entraron en Florencia y detuvieron a Girolamo Savonarola. Incluso el mismo pueblo que en su momento le había apoyado, quizás asustados por las amenazas del Papa, le acusaron de falso profeta. Tras 42 días de continuas torturas, el fraile dominico confesó su culpa, firmada con el único brazo que se había librado de dichos castigos. El 23 de Mayo fue ahorcado y quemado públicamente junto a otros dos frailes partidarios de Girolamo.

Su influencia en el arte de su momento fue muy importante. Miguel Ángel, tras presenciar uno de los famosos discursos del Dominico se preguntó si las obras que él realizaba eran obras pecaminosas. Numerosos libros de Pretrarca y Boccaccio, junto a obras de arte, fueron destruidas en las “Hogueras de las vanidades”, incluso algunas fueron echadas al fuego por el mismo artista, como hizo el gran genio del Quattrocento Sandro Botticelli con algunas de sus obras.Girolamo Savonarola

El caso de Sandro Boticelli es de máxima importancia. Uno de sus hermanos era ferviente seguidor de Savonarola y su influencia en el artista se puede ver en obras posteriores los sucesos en Florencia.

Si comparamos el famoso “Nacimiento de Venus”, pintada entre los años 1482-84 con la “Natividad mística” del 1500, vemos un cambio en el artista Florentino.

El nacimiento es una obra basada en la mitología Griega, en una escena narrada en “Las metamorfosis” de Ovidio, que unido además a la sensualidad dotada a la Venus y la inspiración en la Venus de Medicis, escultura romana del siglo I a.C. presumimos que no sería una obra del gusto del Fraile dominico.Girolamo Savonarola-2

En cambio, la “Natividad mística”, con un estilo que nos puede recordar a una ordenación más a Giotto, por ende más medieval, sin desnudos y con una inscripción que nos remite al parecido a su época con el Apocalipsis bíblico.

También vemos la influencia del dominico en “La Crucifixión”, también del 1500. A los pies de la cruz donde está Jesucristo, encontramos a María Magdalena llorando y al otro lado de la cruz, un ángel con un cuchillo que va a usar contra un león que sustenta en otra mano. Al fondo, se puede observar Florencia (reconocible por sus edificios), que está siendo atacada por una nube negra de la que salen demonios que arrojan fuego contra la ciudad. Dios Padre aparece arriba, expulsando a la nube diabólica junto a unos ángeles (ya perdidos en la obra), que portan escudos con el escudo de Florencia, una cruz roja sobre un fondo blanco. Ambas imágenes son la misma idea, María Magdalena es la ciudad Florentina que llora por todos sus pecados cometidos, representados por el león que va a ser ajusticiado por el ángel, la fuerza divina.cruxificion

De esta manera, Sandro Botticelli se convierte en el ejemplo perfecto de como los sucesos tanto políticos, sociales y religiosos que suceden en la historia pueden cambiar las representaciones artísticas en un breve periodo de tiempo.

A partir de ahí, Florencia dejó de ser el centro del mundo artístico italiano y casi mundial, para dejar paso a una nueva ciudad y eje, Roma.

Charles Le Brun / Pintor Francés

Publicado en: Pintores 0

Troilo, hermano de Políxena (ambos príncipes de Troya e hijos de Hécuba y Príamo) fue asesinado por Aquiles, ya que según el Oráculo, nunca saquearían Troya si Troilo llegaba a los 20 años. Pero como los dioses se ríen de todos los hombres y mortales, Aquiles acabó enamorado de Políxena, a la que le contó su debilidad(o ella lo descubrió). Su famoso Talón de Aquiles. Así fue como París se enteró de su punto débil y aprovechó una de las visitas de Aquiles al templo de Apolo Timbreo para ver a Políxena (según algunos autores hablan de preparar su casamiento), para acabar con el héroe Aqueo.


El “
eidolon” de Aquiles(su fantasma), se apareció a los supervivientes del saqueo de Troya, pidiendo el sacrificio de la princesa a cambio de que llegara la paz allí. Así fue como el propio hijo de Polixena, Neoptólemo, la sacrificó cortándole la cabeza sobre la tumba de Aquiles.

Charles Le Brun (French, Paris 1619–1690 Paris)The Sacrifice of Polyxena, 1647Oil on canvas; 70 × 51 3/4 in. (177.8 × 131.4 cm)The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, 2012 Benefit Fund, and Bequest of Grace Wilkes and Fletcher Fund, by exchange, 2013 (2013.183)http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/442761


En este precioso cuadro de Charles Le Brun, uno de los grandes artistas franceses del siglo XVII, nos muestra justo el momento en el que es llevaba Políxena a sacrificar en la tumba de Aquiles. 

A pesar de tratarse de un barroco de corte clasicista (nada que ver, por ejemplo, con la violencia de una obra de Caravaggio), si podemos observar la fuerza y la agresividad de la situación. Políxena muestra su pecho a Neoptólemo y, según cuenta Eurípides en sus Tragedias” en el 424 a.C, exclama: “Joven príncipe, si es mi pecho donde vas a golpear, aquí está, golpea; o si es mi cuello donde apunta tu espada, detente, pues está desnudo”. Hécuba intenta evitar el desastre, pero un soldado la sujeta el brazo. Mientras, Neopltólemo, con una mirada completamente negra y oscura, levanta la pequeña espada con un gesto casi dubitativo ante el matricidio que va a realizar.

Nacido en París el 24 de febrero de 1619, Charles le Brun pertenecía a una familia de artistas. Gracias al canciller Pierre Séguier, es enviado con 11 años al taller de Simon Vouet.

Su calidad deslumbraba tanto que a los 15 años ya recibe encargos del cardenal Richelieu, principal ministro del rey de Francia Luis XIII. Tras marchar el 1642 a Roma bajo la tutoría del genio Nicolás Poussin, volvió a París en el 1646 como un gran pintor. A partir de ese momento todos los grandes prohombres Franceses de su momento le pidieron obras, Nicolas Fouquet, el ministro de finanzas Jean-Baptiste Colbert y por supuesto del propio rey Luis XIV.

Fundador de la Academia de Francia en Roma, no sólo fue un gran pintor, si no que también fue teórico de arte, con su obra publicada póstumamente, “Méthode pour apprendre à dessiner les passions”. En él, habla de cómo los colores sirven para expresar emociones.

Charles Le Brun muere en París en el año 1690, convirtiéndose junto a Nicolas Poussin, es uno de los pintores más importantes del barroco Francés.

Víctor Yuri de Torres

1 2 3 4 21